Slam (Jonathan Lim, 2008): chronique preview

SLAM
Un film de Jonathan Lim
Avec Lin Xiofan, Zhang Yishan, Andrew Liming Zhou, Zhao Wenqi, Wang Zhigang, Ding Shaofan, Mu Sitafa, Wang Wei, Liang Yi
Genre: comédie dramatique, sport
Pays: Chine
Durée: 1h32
Date de sortie: indéterminée

Mouth est un jeune lycéen passionné de basket ball et plutôt que d’assurer la réussite de ses devoirs il traîne plus souvent autour des terrains pendant que son père, modeste manageur d’une boutique d’équipement de sport, essaye tant bien que mal de satisfaire son patron. Avec son meilleur ami Monkey et son cousin Jason, fraîchement revenu des Etats-Unis, Mouth commence à s’entraîné au street ball, une version urbaine du jeu où s’affronte six joueurs sur un seul panier. Très vite ils se confrontent à l’équipe officielle du lycée menée par Li Wei, un adolescent de dernière année arrogant et violent. De vexations en humiliations, la petite équipe de Mouth va décider de s’inscrire au tournoi de l’été pour faire vaciller l’équipe de Li Wei. Pourtant le père de Mouth découvre un jour que son fils fait le mur au lieu de passer ses vacances à étudier…

Slam se place dans la tendance du drame familial sur fond de pratique sportive, rien de bien original depuis le succès foudroyant de Joue-la comme Beckam en 2002. Plus original cependant, les films chinois ou hongkongais sur ce thème traite plus souvent d’un art martial que d’un sport d’origine occidentale, ici le basket ball donc, avec toute l’admiration que porte le jeune Mouth aux grands athlètes américains. Seul le film thaïlandais Fireball de Thanakorn Pongsuwan, réalisé en 2009, s’était permis de proposer sa vision du basket ball mêlé à de la boxe muy thai, mélange explosif pour un film d’action survolté. Le street ball est lui-même issu du pays de l’oncle Sam, d’après un tournoi fondé par une grande marque de fabriquant de chaussures pour faire participer des milliers d’adolescents à travers le pays. Le street ball, version light du jeu (une équipe se compose seulement de trois joueurs au lieu de cinq sur une moitié de terrain et un seul panier). Cet aspect mercantile du sport n’a pas échapper au réalisateur, par ailleurs scénariste du film, qui a fait du père et de la petite amie de Mouth respectivement un gérant et une vendeuse d’une boutique de matériel de sport, histoire de rappeler combien ce sport est affilié à toute une promotion des marques sous couvert de tournois innocents.

Premier long métrage du réalisateur Jonathan Lim (Jonathan Hua Lang Lim de son nom complet), la trame du film oppose les ambitions d’émancipation du fils contre la nécessité d’obéissance au père, thème universel par excellence mais qui trouve ici un écho particulier, le fils n’hésitant pas à mentir ou à faire le mur pour aller s’entraîner. Bien sûr ces quelques pêchés trouvent le repentir dans une pratique assidue et totalement dévouée du jeune garçon pour son art, celui de la balle. Pêle-mêle, le réalisateur émaille son récit de considérations sur la lutte des classes, l’affirmation de l’amitié et la découverte des premiers émois amoureux. Le film baigne donc dans un sentiment de déjà vu sans véritablement apporter une vision neuve du sujet. Curieusement la pratique de ce sport ne réclame pas de maître, de professeur ou de guide, les trois jeunes adolescents s’y adonne de manière autodidacte, comme métaphore du développement personnel. Plus que des athlètes accomplis, les trois jeunes garçons deviennent surtout des jeunes hommes plus matures et davantage responsables, histoire de prouver à leur entourage qu’ils peuvent accomplir quelque chose par eux-mêmes.

On aurait aimer plus d’audace dans la mise en scène (cela dit magnifique générique d’ouverture dans le plus style arts graphiques de la rue) et des personnages davantage développés dans leurs différences et leurs particularités, le film souffre en définitive d’une sobriété trop convenable et classique. Pourtant Slam n’est nullement ennuyeux, le rythme s’imposant de lui-même avec fluidité. Jonathan Lim s’est depuis tourné vers les séries télévisées avec notamment Hoop party, World Poker Tour China ou encore Sufei’s diary, délaissant le grand écran au profit d’un autre format. Slam a été projeté au Festival de Shanghai 2008 lors d’une présentation spéciale de films de sports à l’occasion des Jeux Olympiques de Pékin la même année.

Island etude (En Chen, 2006): chronique preview

ISLAND ETUDE
(Lian xi qu)
Un film de En Cheng
Avec Chiang Ming-hsiang, Saya, Yang Li-yin, Wu Nien-chen, Darren Chiang
Genre: comédie dramatique
Pays: Taïwan
Durée: 1h48
Date de sortie: indéterminée

L’histoire d’un jeune homme, Ming, qui décide, avant de terminer ses études universitaires, de faire le tour de l’île à vélo en sept jours. Malentendant et quelque peu introverti, il va cependant rencontrer une multitude de gens sur son chemin, depuis une équipe de tournage qui se ballade telle une troupe de cirque, jusqu’à une Lithuanienne qui cherche son chemin et avec qui il passera quelques moments sur la plage. Un voyage qui se transforme en quelque sorte en regard sur son pays et sur lui-même qui le mène entre autre dans la maison de ses grands-parents où il profitera de la célébration d’une grande fête religieuse pour accompagner son grand-père en pèlerinage. Sept jours libéré de toute contrainte loin d’une vie urbaine monotone et sans surprise.

Plus connu pour son travail de directeur de la photographie sur les films de Hou Hsiao Hsien (La fille du Nil, La cité des douleurs, Good men, good women, Goodbye, south, goodbye), En Chen signe là son premier long-métrage en tant que cinéaste. Carte postale tendre mais sincère sur ce petit bout de terre qu’est Taïwan, l’on suit le personnage à travers une sorte de journal intime tenu par le malentendant, un handicap qui ne gêne sensiblement pas le jeune homme qui aime à se retrouver seul en débranchant son appareil auditif afin de se couper du monde, pour retrouver une quiétude intérieure qui s’exprime par ses dessins et son amour de la guitare. Ce tour de l’île à vélo est une sorte de tradition, les Taïwanais se plaisent à profiter des charmes de leur pays en le parcourant à bicyclette pour des trajets plus ou moins longs. Au-delà de l’aspect touristique et anecdotique du film, le vaste océan entourant l’île et le handicap du personnage principal mettent en avant un farouche esprit d’indépendance vis à vis du continent et un désir de liberté qui plane à chaque moment. Sur son vélo, Ming se sent libre et ses choix détermineront des rencontres insolites, chaleureuses et émouvantes.

Présenté en France lors du dernier Festival du Film Asiatique de Deauville, Island etude parle tout autant des superbes paysages côtiers de l’île que de ses habitants ; Tsun, le cycliste pressé, Reta, la Lithuanienne adorable, le mari bavard accompagné de sa femme silencieuse et de ses deux enfants, la vieille institutrice pour qui il joue de la guitare, deux jeunes graffitistes qui se jouent de la police, un vieux sculpteur sur bois qui lui montre ses meilleures pièces, etc. Ming, attentif et serviable, s’ouvre aux autres comme pour braver son audition limitée, un handicap qui n’aura pas empêcher ses grands-parents de l’aimer davantage. Ce lien familial très fort s’exprime avec beaucoup de délicatesse lors de la procession en hommage à la déesse Mazu où Ming accompagne son grand-père âgé mais encore capable pour une absolution de groupe, moment irréel comme suspendu dans le cour tranquille du film. Island etude est une ballade au sens musicale et romantique du terme, où un homme qui va bientôt passer à une autre étape de sa vie choisit de faire le point sur lui-même, de découvrir qui il est vraiment. Film sans prétention mais pas sans qualité, la mise en scène sobre et l’appréhension immédiate du sujet plongent le spectateur dans un voyage lyrique et serein. Un film sans naïveté qui transmet une agréable sensation de vivre tout en échappant à tout moralisme coupable. En bref un film charmant qui mériterait une sortie en salle digne de ce nom.

City of life and death (Lu Chuan, 2009): chronique preview

CITY OF LIFE AND DEATH/ NANKING NANKING
(Nanjing! Nanjing!)
Un film de Lu Chuan
Avec Liu Ye, Gao Yuanyuan, Hideo Nakaizumi, Fan Wei, Jiang Yiyan, Ryu Kohata, Liu Bin, Yuko Miyamoto, John Paisley
Genre: guerre, drame
Pays: Chine, Hong Kong
Durée: 2h12
Date de sortie: 21 juillet 2010

Décembre 1937, les troupes japonaises parviennent à conquérir la capitale chinoise de Nankin après plus de trois mois de lutte. Les troupes de Tchang Kaï-chek sont en déroute et les soldats japonais pénètrent sans mal dans la ville en ruine. Apeurés et blessés, un grand nombre de soldats chinois se dépouillent de leur uniforme pour échapper aux représailles ennemies en se dissimulant parmi la population civile qui se retranche peu à peu dans une zone de sécurité établie d’après des tractations entre des organisations humanitaires étrangères et les forces conquérantes. Pourtant dès les premières heures de l’invasion de la ville, les troupes japonaises se livrent à une exécution automatique des habitants et aux viols ininterrompus des femmes, quel soit leur âge. Pendant plusieurs semaines, les soldats japonais s’adonneront sans aucune limites aux actes les plus vils sous l’œil tacite et bienveillant des officiers. Pourtant un jeune soldat, Kadokawa, va peu à peu réalisé à quel point l’armée de l’Empereur s’est enfoncée dans les abîmes du crime.

Film sans concession qui pointe directement du doigt les atrocités commises par l’armée japonaise lors de la prise de la ville de Nankin, dernier bastion de la résistance chinoise face à l’invasion nippone, Nanking Nanking (ou encore City of life and death sous son titre d’exploitation internationale) débute tel un film de guerre que le cinéma chinois se plaît depuis quelques années à mettre en scène avec force d’effets pyrotechniques et décors colossaux. Dans un somptueux noir et blanc le long-métrage plonge directement le spectateur dans un maelström de feu et de sang. On le sait désormais le cinéma chinois offre désormais des reconstitutions historiques dignes du cinéma hollywoodien. Ici la démonstration est convaincante avec une mise en scène efficace et claire menée tambour battant à coup de caméra d’épaule. Si la résistance s’organise, les héros chinois tombent de façon anonyme et inévitable face aux assauts musclés de l’envahisseur nippon. La guérilla urbaine se déploie, les soldats japonais s’enfoncent vers l’inconnu pour s’apercevoir que leurs ennemis ont pris la fuite en se cachant parmi les populations civiles prises au piège.

Ainsi commence donc la seconde partie du film avec une séquence déroutante prenant place à l’intérieur d’une église. A l’affût, quelques fantassins nippons découvrent plusieurs centaines de réfugiés, femmes, enfants et vieillards mêlés avec des soldats blessés. Largement en surnombre ils se rendent pourtant aux soldats étonnés. Dès lors le système du pillage et de l’épuration commence. Systématique, atroce, barbare, le film aligne près de quinze minutes d’exécution à la mitraillette ou à la baïonnette, en enterrant vivant les prisonniers ou encore en enfermant dans une bâtisse les rescapés pour y mettre le feu l’instant d’après. Véritable catalogue du sadisme nippon, le film ne cache pas son ambition de révéler les charniers qui s’amoncellent dans la ville chinoise, réalité historique à laquelle le Japon actuel a encore du mal à faire face. Pourtant le film écarte quelques précisions qui permettraient de comprendre une telle systématisation du carnage. Non nourris par son armée, les soldats japonais se devaient eux-mêmes de trouver leur nourriture et face au grand nombre de prisonniers, qu’ils soient civils ou militaires, cette armée d’invasion ne pouvait s’offrir les capacités de pourvoir aux besoins vitaux d’une telle masse de gens.

Au-delà des nécessités militaires, le film ne se détourne pas du sujet qu’il l’occupe, celle de la cruauté des troupes nippones qui, plus qu’une simple tâche exécrable à accomplir y met une certaine dose de satisfaction non dissimulée. Le film ici rejoint les faits et les témoignages, la tuerie ayant entraînée une sorte d’exultation collective qui se poursuivra, et cela constitue la troisième partie du métrage, avec le thème des femmes de réconfort. Car après l’exécution des hommes chinois présumés soldats, les atrocités ne cessent pas et les viols répétés et forcés plongeront les survivantes chinoises dans l’horreur de la guerre. Certainement comme aucune autre armée au monde, l’armée japonaise s’est dotée d’une structure systématique de la prostitution en direction de ses soldats. Qu’elles soient d’origine japonaise, alors ces femmes ne sont rien d’autres que des prostituées de métier, ou bien d’origines coréennes ou chinoises, là les femmes sont arrachées de leur milieu et de leurs proches, les soldats peuvent à l’envi s’offrir un corps féminin pour assouvir leurs pulsions primaires. Condamnées à la faim, aux maladies vénériennes ou encore à la folie, on leur déni leur appartenance à la race humaine pour en faire des objets de plaisir que l’on jette après usage.

On le sait, ce massacre de Nankin a pu parfois servir la cause du régime chinois qui en a fait à diverses reprises l’exemple par excellence de la barbarie nippone et, indirectement, de la dénonciation de la séduction occidentale, le Japon d’alors s’étant fourvoyé dans l’exemple des grandes nations européennes. Tout en sachant prendre ce recul nécessaire face aux événements historiques, le film a tout de même l’intérêt d’exposer clairement l’une des pages les plus sombres de l’histoire sino-japonaise, y compris en abordant l’histoire des « justes », ces quelques étrangers qui ont tout fait pour maintenir une zone pacifique au cœur de la ville et qui ont sauvé d’une mort certaine des centaines de chinois et qui ont su, par la suite, révéler au monde ces atrocités que l’on pensait d’un autre âge. Aujourd’hui encore, le massacre de Nankin reste un événement mal connu de la plupart. Si City of life and death peut s’engager comme un point de départ pour redécouvrir ces souvenirs douloureux, on peut tout de même regretter que le film n’aborde pas davantage les faits relatifs qui suivront comme la condamnation de certains haut gradés militaires jugés responsables de cette horreur lors notamment du procès de Tokyo. Sans être totalement anti-japonais, le film, on s’en doute bien, ne risque pas de sortir au Japon et pourtant, à bien y réfléchir, ce n’est pas de cette façon que les réticences nippones seront bientôt dépassées. Face à l’histoire, la fiction est un bon médium pour atteindre les foules, encore faut-il engager dans l’entreprise une rigueur et une objectivité qui ne peut souffrir aucune controverse.

Snakes and earrings (Yukio Ninagawa, 2008): chronique preview

SNAKES AND EARRINGS
(Hebi ni piasu)
Un film de Yukio Ninagawa
Avec Yuriko Yoshitaka, Kengo Kora, Arata, Yû Aribu, Tatsuya Fujiwara, Rakkyo Ide, Ichikawa Kamejirô, Toshiaki Karasawa, Shun Oguri
Genre: drame, thriller, inclassable
Pays : Japon
Durée : 2h05
Date de sortie : indéterminée

Lui est une jeune femme tokyoïte désoeuvrée en quête de sensations fortes. Un soir, elle rencontre dans un bar Ama, un punk à la langue fendue comme un serpent qui la courtise et l’impressionne. Lui est tout à coup intriguée par son univers des transformations corporelles, entre les tatouages et les piercings et elle rencontre peu après Shiba, le tatoueur d’Ama. Après s’être convaincue d’obtenir une langue fendue comme celle de son petit ami, Lui décide également de se faire tatouer un dragon mêlé d’un kirin (une sorte de lion légendaire japonais) par Shiba. Ce dernier lui demande en retour de lui faire l’amour. Elle découvre alors les délices du sadomasochisme et poursuit alors sa double relation entre le punk et le tatoueur jusqu’au jour où Ama disparaît.

Plus connu dans le milieu théâtral pour ses audacieuses adaptations de Shakespeare, Yukio Ninagawa est le propre père de la fameuse photographe Mika Ninagawa, par ailleurs réalisatrice du film Sakuran. Yukio Ninagawa n’a que peu exploré le champ cinématographique avec notamment deux films de fantômes, The summer of evil spirits en 1981 et Warau lemon en 2004, et un thriller, The blue light, en 2003. Ici il explore le monde underground du body art japonais d’après le best-seller de Hitomi Kanehara, Serpents et piercings. Film étrange et envoûtant, Snakes and earrings nous entraîne dans une relation triangulaire peu banale, celle que partage une jeune femme paumée mais plutôt sage avec deux habitués des modifications corporelles. Volonté de repousser ses limites aussi bien que la satisfaction voyeuriste du petit ami, Lui s’engage dans un processus sans retour, celui de se fendre la langue tel un serpent et de se faire graver l’image d’un dragon à même la chair.

Dépasser ses craintes et ses a priori laisse place très vite à la volonté de découvrir un nouvel espace où le corps s’exprime pleinement dans ses attributs physiologiques. La douleur devient une source de plaisir insoupçonné, un plaisir d’autant décuplé qu’il sera mêlé à sa sexualité par l’entremise de Shiba, le tatoueur qui ne peut éprouver de l’excitation que par la soumission et l’abandon de l’autre. Dès lors Lui se laisse (mal)mener par ses sentiments envers Ama et ses pulsions sexuelles avec Shiba, un double jeu symbolisé par l’entremêlement des deux créatures légendaires désormais tatoués sur son dos, le dragon et le kirin. Deux créatures sans globes oculaires suivant les désirs de la jeune femme, pour qu’ils ne puissent pas s’envoler selon ses propres mots.

A la merci du tatoueur tout puissant, Lui ne découvrira pas pour autant l’extase suprême de l’abandon ni ses propres limites en matière de modifications corporelles. Déterminée à se fendre la langue, la disparition d’Ama va l’affecter plus que de raison. Liée dans sa chair aux deux hommes, Lui finira par perdre toute indépendance personnelle pour n’être que le fruit d’une relation masochiste. Aux marges de la société se joue une nouvelle définition du corps et de soi, une nouvelle relation entre la peau et l’aiguille aiguisée. Il ne s’agit pas de souffrir pour être belle mais bien davantage de souffrir pour se sentir libre, sauf que, à mesure que le tatouage s’étale sur son omoplate, Lui s’enferme bien plus qu’elle ne se libère. Paradoxe étonnant d’une pratique qui s’affiche avant tout comme une libération de la norme moderne du corps, lisse et sans signe distinctif. Lui brise le carcan social pour s’enfermer dans celui du body art. Mais au fond, a t-elle bien changée ?

Crossing (Kim Tae-gyun, 2008): chronique preview

CROSSING
(Keurosing)
Un film de Kim Tae-gyun
Avec Cha In-pyo, Jeong In-gi, Shin Myeong-cheol
Genre: drame
Pays: Corée du Sud
Durée: 1h52
Date de sortie: indéterminée

Yong-soo vit avec sa femme et son fils Joon dans un petit village minier de la Corée du Nord. Ancien footballeur de l’équipe nationale, la petite famille vit dans la pauvreté mais s’heureuse de pouvoir vivre ensemble. Pourtant un jour son épouse, enceinte, tombe malade. Yong-soo n’a pas d’autre choix que de se rendre illégalement en Chine pour se procurer le médicament dont elle a tant besoin. Alors que celui-ci devient un travailleur clandestin de l’autre côté de la frontière, sa femme décède, Joon se retrouvant seul pour faire face à la misère. Alors qu’une rafle décime une grande majorité des clandestins nord-coréens, Yong-so arrive à atteindre l’ambassade allemande et devient réfugié politique. Alors qu’il est transféré en Corée du Sud, il n’a qu’une seule envie, revenir auprès des siens avec les médicaments promis. Sans le sou et orphelin Joon tente à son tour de rejoindre son père en Chine avant de se faire attraper et d’être emprisonné dans un camp pour les traîtres. Le père et le fils n’auront de cesse de croire à leur retrouvailles.

Réalisateur sud-coréen quasi inconnu chez nous, Kim Tae-gyun a néanmoins réalisé le survolté Volcano High en 2001, un film à part dans sa filmographie puisqu’il se tourne davantage vers la comédie (The adventures of Mrs Park en 1996) ou bien encore la romance (First kiss en 1998, Romance of their own en 2004, A millionaire’s first love en 2006). Avec Crossing le cinéaste s’attaque au drame pur et dur à travers l’histoire d’un père et de son fils séparés par les aléas d’un destin tragique en Corée du Nord. Si le film n’est pas tendre avec la nation de Kim Il-sung, il pointe davantage le doigt vers la bureaucratie dictatoriale presque invisible que sur son peuple opprimé à différents niveaux. En effet la famine, l’exploitation au travail, le manque de soins et les camps de répression sont le quotidien de cette population coupée du reste du monde. Car en Corée du Nord un transistor, des médicaments contre la tuberculose ou encore un simple ballon de foot sont des denrées très rares et la misère gagne même les villages où les hommes travaillent d’arrache-pied.

Traverser la frontière, c’est risquer la haute-trahison, c’est insulter la mère-patrie, une mère qui pourtant ne nourrit pas ses enfants. La Chine est également mise à l’index par ses rafles d’immigrés qu’elle renvoie dans leur pays d’origine tout en sachant le sort qu’il leur réserve, au nom de la fraternité communiste sans doute. Loin de vouloir quitter son pays, de gagner une quelconque liberté dans un pays qui n’opprime pas son peuple, Yong-soo souhaite juste sauver sa femme mais sa méconnaissance des règles internationales en termes de nationalité, de passeport ou encore de produits médicamenteux vont le conduire de plus en plus loin de ceux qu’ils aiment. Face à une bureaucratie démocratique sud-coréenne elle-même lente et inefficace alors qu’il crie son désespoir face à la mort imminente de sa femme, le film se place davantage au niveau de l’individu que des institutions. Il raconte bien plus l’impuissance d’un père devant des autorités certes compréhensives mais qui deviennent à ses yeux des obstacles à ses retrouvailles avec les siens.

Le film exploitent au compte-goutte les scènes purement mélodramatiques mais leur procure une force tragique indéniable comme la scène où, par le biais d’un téléphone portable le père réussit enfin à parler à son fils qui ne cesse de s’accuser de la mort de sa mère. Un moment déchirant superbement incarné par les deux acteurs dont la prestation impressionne. Sans moralisme aucun ni manichéisme facile (la Corée du Sud est essentiellement vu comme un pays de consommation plutôt que comme un pays des préoccupations des droits de l’homme), Kim Tae-gyun nous fait partager cette histoire qui se termine dans le désert de Mongolie aux frontières de la Chine. Etrange voyage dans cette Asie du Sud-Est, morcelée par des gouvernements qui ne s’entendent pas et dont les peuples ne parlent pas du tout les mêmes langues (le petit Joon qui porte un panneau écrit en mongol autour de son cou) . Ici bien sûr la fraternité des deux Corée est soulignée mais la Corée du Sud ne sera jamais la patrie de Yong-soo, tout juste un refuge. Etrangement le film n’a pas connu de diffusion dans les festivals occidentaux excepté le Festival de Portland aux USA, ce long-métrage gagnerait pourtant à sortir de ses limites coréennes, à traverser les frontières continentales justement.

Midnight running (Wong Chung-ning, 2006): chronique preview

MIDNIGHT RUNNING
(Faan dau kwong bun)
Un film de Wong Chung-ning
Avec Timmy Hung, Kwok Cheung Tsang, Rumiko Maya, Calvin Choi, Carl Ng, Samuel Pang, Wing Yin Cheung, Roderick Lam
Genre: policier, comédie
Pays: Hong Kong
Durée: 1h32
Date de sortie: indéterminée

La veille du jour de noël Mari, une japonaise, se fond parmi les touristes qui se baladent dans les rues de Hong Kong à la recherche de sa victime. Voleuse au grand cœur, elle s’amuse à dérober les goujats jusqu’au moment où elle subtilise le porte-document d’u membre de la plus importante triade de la ville, le clan Tung Hing. Pensant avoir remporter un gros butin, la jeune femme est déçu d’y trouver une liste de noms sans importance à ses yeux. L’Oncle Four à la tête de la triade exige de ses hommes de retrouver au plus vite cette liste, il charge notamment Brother OD, l’un des chefs subalternes un peu fou, d’employer tous les moyens possibles. Peter, un jeune serveur du bar de Brother OD est entraîner dans cette chasse parce qu’il parle japonais. Alors qu’il retrouve la jeune voleuse nippone, il se rend vite compte qu’il partage le même rêve que celle-ci, celui d’ouvrir un bar à mojito sur la plage de Santa Maria à la Havane. Avec le policier Paul, impliqué malgré lui dans l’affaire à cause de Mari, Peter va essayer de déjouer les plans de la triade pour sauver la belle Mari.

Comédie policière fort charmante, Midnight running mélange subtilement les codes de la romance contrariée avec ceux de l’enquête et de la poursuite chers aux polars hongkongais, les gunfights meurtriers en moins. De ce côté là, le film joue plus le décalage et le ton comique que l’efficacité et la puissance de l’action. Quiproquos, renversements de situation et confusion des points de vue s’enchaînent pour servir une histoire simple mais séduisante. Première réalisation du cinéaste et scénariste Wong Chung-ning, qui avait signé l’histoire du film The three brothers de Wu Ying-kin en 1999, il révèle d’ores et déjà d’un sens de la narration et du propos en jonglant habilement sur les deux genres de la comédie et du polar. Si la scène d’exposition manque un peu de singularité, le film se lance une fois pour toute avec l’apparition du bad guy de service en chanteur de karaoké catastrophique, le fameux Brother OD, incarné par Calvin Choi, un chef avec une case en moins qui se plaît à maltraiter son subalterne, Alloy, en l’obligeant à se couper les doigts à chaque erreur à la façon des yakuzas japonais.

Le casting fait par ailleurs preuve de pertinence avec, outre Calvin Choi en gangster halluciné, Timmy Hung dans le rôle du policier dévoué qui essaye entre deux poursuites de gérer ses problèmes de couple avec Faye Faye, sa compagne mieux gradé que lui à la brigade anti-mafia. Timmy Hung avait commencé sa carrière en tant qu’assistant cascadeur sur Mr. Nice guy de Sammo Hung en 1997, avant de choisir le chemin de comédien dès l’année suivante avec une apparition dans The three lustketeers de Bosco Lam. Plus mémorable on peut le voir en coéquipier de Jackie Chan dans New police story en 2004 ou encore S.P.L. de Wilson Yip l’année d’après. Après Midnight running, il a compté parmi l’équipe de Men suddently in black 2, Flashpoint ou encore Three kingdoms: ressurection of the dragon de Daniel Lee en 2008. Dans les deux rôles principaux, ceux de Peter et Mari, deux têtes nouvelles dans le cinéma asiatique, l’actrice japonaise Rumiko Maya dont c’est le premier long-métrage et Kwok Cheung Tsang, le propre fils du comédien Eric Tsang, qui enchaîne les films depuis le début des années 2000. On peut notamment citer dans sa filmographie The eye 2, A.V., Tactical unit : no way out ou encore récemment Claustrophobia, vu récemment au Festival du Film Asiatique de Deauville.

Comédie sans prétention mais non sans qualité, Midnight running désacralise le milieu de la pègre chinoise sur le ton parodique. L’Oncle Four attend patiemment les erreurs des uns et des autres pour prendre parti, voir même pour retourner sa veste, OD pète un câble à la moindre bourde, et le petit dernier des chefs arrive avec sa bande de rappeurs des rues en tenue bling-bling du plus mauvais goût. Bref la mafia hongkongaise n’est plus ce qu’elle était même si pour la célébration d’un nouveau leader, les fastes rituelles sont de mise. Peter, le serveur qui n’avais rien demandé, est en fait le plus malin de tous et joue de son innocence pour s’esquiver dès que l’occasion se présente. Situations enjoués et musique légère donnent le ton, on est loin de la furie destructrice d’un Johnnie To tout autant des péripéties acrobatiques et drôlatiques d’un Jackie Chan. Non, Wong Chung-ning adopte son propre chemin, moins radical certes, mais tout aussi plaisant.

Slingshot (Brillante Mendoza, 2007): chronique preview

SLINGSHOT
(Tirador)
Un film de Brillante Mendoza
Avec Jiro Manio, Kristofer King, Coco Martin, Nathan Lopez, Jaclyn Jose
Genre: drame
Pays: Philippines
Durée: 1h26
Date de sortie: indéterminée

Dans le quartier des affaires très fréquentés de Quiapo à Manilles, la vie au jour le jour d’une communauté de voleurs à la tire, les tirador du titre original. Entre les expulsions, les descentes et la répression des policiers, les problèmes d’hygiène du bidonville, ils se faufilent parmi les touristes et les passants pour les détrousser de leurs biens avec leurs mains agiles. Un monde où règne la drogue et la prostitution, où la moindre rixe peut dégénérer en lutte fratricide. Lors de la semaine sainte, les politiciens achètent les voix des habitants pour s’assurer la victoire.

Cinquième film du cinéaste philippin Brillante Mendoza, Tirador est tourné en vidéo en quelques jours lors de la semaine sainte 2007 avec des acteurs professionnels dont l’interprétation est tout simplement exceptionnelle. Héritage d’un cinéma-vérité qui se pose la question du réel à travers la fiction, la réalité des bidonvilles, des passants et des évènements publiques insèrent la narration et les personnages dans un présent palpable et tragique. Dans une cité bouillonnante d’activité, une communauté située au bas de l’échelle sociale tente de survivre et de s’organiser pour vaincre les difficultés. En pleine lumière ou à contre-jour, dans les allées étroites du bidonville comme dans les artères principales de la ville, le cinéaste suit ses personnages au plus près. Pas de devancement ni de mise en scène des mouvements de caméra, juste une poursuite perpétuelle des protagonistes qui semblent à chaque instant s’évanouir dans la foule.

Tout d’abord pressenti pour être présenté au Festival de Toronto, le film est également projeté lors de la Biennale du Festival de Berlin en février 2008. En France il aura fallu attendre le Festival du Film Asiatique de Deauville en mars 2008 pour le découvrir avant une rétrospective du cinéaste au Festival Paris-Cinéma durant l’été. Outre le sujet passionnant d’un film qui sort des plate-bandes des films philippins habituels, Brillante Mendoza fait paradoxalement preuve d’une maîtrise de l’image à travers des situations de tournage improvisées. Sur le qui-vive, toujours en alerte, la caméra fait découvrir aux spectateurs le monde souterrain des laissés-pour-compte dans un dédale de ruelles et de couloirs qui donne une sensation de porosité de la cité. Constamment poursuivis par les policiers, les tirador n’ont d’autres choix que de courir à travers ce labyrinthe pour échapper à la répression.

Par moments le cinéaste délaisse ce jeu du chat et de la souris pour s’attarder sur certains personnages en particulier, pour démontrer la rudesse des conditions de vie et d’éducation des enfants nés dans un milieu tellement pauvre que le moindre fil de fer peut leur servir de jouet. Aux bras des dealers et des alcooliques, ils s’imprègnent des réflexes nécessaires pour subsister par leurs propres moyens. Un film dur et beau à la fois, désespérant par sa noirceur mais salvateur pour les possibilités du cinéma contemporain en attendant son prochain film, Kinatay, qui sort le 18 novembre prochain sur nos écrans.

Walking my life (Satoshi Isaka, 2007): chronique preview

WALKING MY LIFE
(Zô no senaka)
Un film de Satoshi Isaka
Avec Kôji Yakushô, Miki Imai, Nao Minamizawa, Shun Shioya
Genre: mélodrame
Pays: Japon
Durée: 2h07
Date de sortie: indéterminée

Un promoteur immobilier, Yukihiro, sur la fin de la quarantaine, apprend subitement qu’il est atteint d’un cancer des poumons incurable et qu’il ne lui reste que six mois à vivre. Alors qu’il mène une vie aisée dévouée à son travail, à sa famille et à sa maîtresse, la vie prend pour lui une autre voie, celle de l’introspection et du bilan. Certains remords et regrets vont le pousser à régler quelques vieilles histoires autant professionnelles que privées. Il retrouve ainsi la première femme qu’il ait jamais aimé sans avoir jamais eu le courage de lui avouer ou encore cet ami d’enfance avec qui il s’est brouillé pour une petite histoire sans importance. Refusant tout traitement thérapeutique, Yukihiro ne peut dissimuler plus longtemps sa maladie à sa famille, sa femme et ses deux enfants. Choisissant de finir sa vie dans une maison de repos pour personnes condamnées, sa femme et lui décident d’écrire chacun à l’autre une lettre personnelle. Les forces commencent alors à lui manquer…

Produit par le studio nippon Shochiku, Walking my life s’installe dans le genre mélodramique qui conte le destin d’un homme face à l’imminence de sa mort. On se souvient encore du très beau Vivre réalisé par Akira Kurosawa en 1952, ici la volonté est la même : émouvoir à travers des sentiments simples et universels les spectateurs. Le danger est double pour ce type de film, ne pas tomber ni du côté du sentimentalisme facile, lacrymal et désespéré ni du côté de la séduction morbide de la déchéance physique. Walking my life échappe à ces deux écueils grâce à une mise en scène épurée, simple et directe et une interprétation juste et étonnante de sincérité. Kôji Yakushô, que l’on connaît surtout en France comme étant l’acteur fétiche de Kiyoshi Kurosawa, incarne ici le rôle principal. Alors que son tout dernier film, Tokyo Sonata, dans lequel l’acteur joue un petit rôle, vient juste d’être présenté à Cannes, c’est au Festival Asiatique de Deauville en mars 2008 que Kôji Yakushô, dans le cadre d’un hommage qui lui était rendu, était venu présenter Walking my life.

Si le film n’est pas d’une grande originalité dans son propos, force est de constater combien le jeu de kôji Yakushô apporte dignité et force morale à son personnage. Soucieux de préserver sa famille, Yukihiro dissimule ses inquiétudes, notamment à sa femme et à sa fille, en conservant son attitude de père réconfortant et disponible. A mesure que la maladie se révèle et l’use physiquement, une peur sourde s’ancre en lui. Quittant son travail, ayant dit adieu à ses amis, le cercle des connaissances se réduit peu à peu autour de lui et bientôt, les crises se multipliant en fréquence et en violence, l’obligent à quitter son domicile pour un hospice où un personnel compétent peut veiller sur lui en cas d’attaque. Installé au bord de la mer dans une petite maisonnée baignée par la lumière, ses jours sont désormais comptés. Le film se recentre alors sur le noyau familial, notamment sur la relation fusionnelle qui le lie à sa femme, une relation qui avait été mise à mal par son adultère avec sa maîtresse. Ayant choisi de mourir au contact de ceux qu’il aime, le personnage retrouve alors une paix intérieure faite de souvenirs et d’émotions. Un film sensible, triste, dont on ressort l’estomac noué et le regard groggy.

Chant des mers du Sud (Marat Sarulu, 2008): chronique preview

CHANT DES MERS DU SUD
(Songs from the southern seas)
Un film de Marat Sarulu
Avec Vladimir Yavorsky, Dzaidarbek Kunguzhinov, Irina Agejkina, Ajzhan Ajtenova
Genre: drame
Pays: Kazakhstan, France, Allemagne, Russie
Durée: 1h24
Date de sortie: 17 février 2010

Ivan, un russe Moujik, est marié à Maria, une Cosaque. Ils vivent tous deux dans un village kasakh perdu, loin de tout. Lorsque sa femme accouche d’un bébé brun à la peau foncée, Ivan la soupçonne d’avoir couché avec leur voisin Assan, kasakh lui-même. Mais pire que l’humiliation de l’adultère, c’est celle de sa belle famille qu’Ivan ne supporte plus, un clan d’hommes grossiers et orgueilleux qui n’ont de cesse de malmener et rabaisser le Moujik. Quinze années après la naissance du petit garçon, Sacha, la situation n’est guère plus reluisante. L’adolescent est rebelle et refuse d’aller à l’école pour aller enfourcher son cheval et aller capturer des cheveux sauvages qui appartiennent à un clan voisin. Ivan, opprimé à la fois par sa femme, son fils et le reste de son entourage part un jour retrouver son grand-père, qui lui raconte le passé tumultueux de ses ancêtres. Un passé dont certains membres n’ont pas hésité à transgresser les règles du mariage clanique pour s’enticher d femmes et d’hommes d’autres horizons, parfois au prix de l’exil.

Premier film kirghize jamais présenté au Festival de Film Asiatique de Deauville, Chant des mers du Sud est une fable moderne sur la tolérance et les vertus de l’amour contre la violence et l’aveuglement des principes raciaux. Non sans humour et surtout en évitant tout sentimentalisme, le cinéaste Marat Sarulu dépeint ses personnages avec âpreté et tendresse à la fois. Ivan, le russe bon à rien qui se fait mener par le bout du nez par sa femme, Assan le voisin travailleur et pragmatique, qui exerce une autorité sans faille sur la place de sa femme, la battant lorsqu’il le juge nécessaire. Sacha enfin, cet adolescent asocial qui n’a d’yeux que pour les chevaux au point d’y jouer sa vie.

Chant des mers du Sud est un film polyphonique sur les cultures Moujik, Cosaque, Kasakh et autres influences slavophones. Les points de vue s’y côtoient, s’y affrontent, souvent violemment mais Ivan, lui que l’on considère naïf et bon à rien, ne souhaite que la paix dans son foyer. Plus proche de ses cochons, qui au moins lui obéissent, Ivan est par excellence le faible écrasé par l’inéluctable étau du nationalisme et des idées sectaires. Pourtant avec son voisin Assan, plutôt tolérant tout comme lui, la cohabitation se passe sans trop de douleurs. Perdus au milieu d’un territoire peu à peu abandonné, les distances éloignent les hommes non seulement géographiquement mais aussi humainement. Les superbes espaces libres et encore intacts des conséquences de la main de l’homme ne doit pas cacher le passé douloureux dont les récits du grand-père témoignent.

Au récit historique conté par le vieil homme, s’ajoute celui mythologique de la Femme des mers du Sud qui tente de séduire l’homme au cheval pour qu’il la rejoigne. Cet homme, lui, ne cherche les mers du Sud que pour oublier son chagrin. Légende kasakh, ce récit légendaire nous est montré à la fois par des séquences très belles et oniriques en ombres de papier découpé mais aussi en prise de vue réelle avec la disparition d’Assan de son foyer. Chevauchant vers les contrées des steppes, très loin, Assan lui aussi recherche la paix intérieure. Par moments sombre, le film pourtant ne verse jamais dans le pessimisme, et face aux difficultés du quotidien l’amour qui lie, au-delà des disputes conjugales incessantes, Ivan et Maria, Assan et Ajsha, semble finalement conserver l’espoir de lendemains qui chantent et qui dansent.

Beastie boys (Yun Jong-bin, 2008): chronique preview

BEASTIE BOYS
(The moonlight of Seoul/ Biseuti boijeu)
Un film de Yun Jong-bin
Avec Ha Jung-woo, Yoon Kye-sang, Yoon Jin-seo
Genre: romance
Pays: Corée du Sud
Durée : 2h03
Date de sortie: indéterminée

Dans un club privé de Séoul, le quotidien débauché de deux escort boys, Seung-woo et Jae-hyung. Le premier est très jeune, pensant ce travail temporaire mais les clientes en font l’un de leurs préférés. Le second est beaucoup plus expérimenté et gère la répartitions de ses équipes dans chaque salle. Dans la ville moderne qui ne jure que par le faste, la jeunesse et l’argent, le monde de la nuit génère ses propres démons. Une nuit Seung-woo rencontre Ji-won, une cliente elle-même escort girl. Il en tombe éperdument amoureux. Afin de vivre en couple, ils arrêtent leur train de vie nocturne mais doivent trouver du travail pour rembourser les dettes contractées par Jin-won vis à vis de son employeur. Jae-hyung lui, navigue entre deux histoires en cachette et à cause de sa manie du jeu, doit rembourser une forte somme à un voyou. Les chemins de Seung-woo et de Jae-hyung se séparent, du moins pour un temps.

Regard désillusionné sur le monde des gigolos modernes, Beastie boys est le second long-métrage de Yun Jong-bin qui avait signé en 2005 The unforgiven. Image d’un cinéma clinquant, le film met en exergue l’attrait d’une nouvelle génération pour l’argent facile et un mode de vie sans contrainte. Il y est question de brûler la chandelle par les deux bouts, de vivre au maximum ici et maintenant. La superficialité d’une vie matérialiste finit pourtant par broyer ceux qui ne veulent, ou ne peuvent, lever le pied. Univers très machiste dans ses comportements, la troupe des gigolos se donnant rendez-vous pour les préparatifs, le coiffeur, la salle de gym, chacun congratulant l’autre pour ses performances de la veille ou encore pour refiler un tuyau mode. Tout le monde est beau, séduisant, attirant, dans les moindres détails. La séduction est leur arme, une séduction cependant dénuée de profondeur ou de subtilité, leur seul objectif étant de faire dépenser au maximum leurs clientes, elles-mêmes non dupes de ce jeu ou chacun trouve sa part de satisfaction.

Le comportement de ces jeunes hommes en devenir est aussi condamnable que celui des jeunes femmes, toutes aussi superficielles les unes que les autres. Et lorsque que deux d’entre elles font venir nos deux héros dans leur chambre d’hôtel pour entamer une charmante soirée, le coup de téléphone du petit ami de l’une d’elle met précipitamment fin à la surprise party. L’infidélité est une règle de vie, une démonstration de sa liberté et de son pouvoir sur l’autre. Cette relation vendeur-consommateur est bien entendu dénuée de sentiment, les premiers soutirant aux seconds de l’argent pour leur plus grand plaisir. L’on nage en plein système libéral de l’offre et de la demande. Une sorte de système économique des corps. Car aujourd’hui pour pouvoir vivre, tout est à vendre, y compris soi-même.

Lorsque que les sentiments pénètrent dans cette sphère nocturne, il ne faut pas attendre longtemps pour que ce système vacille. Tellement rongé par les excès et la liberté totale, ses jeunes corps deviennent soudain incapables de faire face aux responsabilités qu’entraînent la vie de couple. Incapables de stabilité, ils s’enfoncent de nouveau dans les territoires sombres de la vie de débauche, seul territoire connu à leurs yeux. Beastie boys regroupe la crème des jeunes acteurs sud-coréens actuels, depuis Ha Jung-woo dont la renommée ne cesse de grimper en flèche (The chaser, My dear enemy), jusqu’à Yoon Jin-seo déjà vue dans le fameux Old boy de Park Chan-wook. Cette jeune génération fait montre d’un dynamisme et d’un talent certains dans un cinéma qui a décider de conquérir d’autres territoires que celle de la seule Corée du Sud. Sans être un grand film en terme de mise en scène, Beastie boys est techniquement impeccable et se regarde avec intérêt tant certaines scènes témoignent d’une intensité de jeu magistrale.

My lover is a sniper (Toshiharu Muguruma, 2004): chronique preview

MY LOVER IS A SNIPER
(Koibito wa sunaipâ: gekijô-ban)
Un film de Toshiharu Muguruma
Avec Miki Mizuno, Miyoko Akaza, Hiroshi Abe, Teruyoshi Uchimura, Shido Nakamura, Seiichi Tanabe, Chôsuke Ikariya
Genre: action, policier
Pays : Japon
Durée : 1h52
Date de sortie : indéterminée

Kinako est une jeune femme flic qui a arrêté il y a peu l’homme qu’elle aimait, Wong Kai-ko, un tueur à gages opérant pour l’organisation terroriste chinoise nommée 1221. Quelques années plus tard à Tokyo, un terroriste tue aveuglément les passants pour faire chanter le gouvernement japonais. Cet assassin serait l’ancien apprenti de Wong Kai-ko, Fang, appartenant lui aussi à l’organisation criminelle. Le gouvernement japonais fait extrader Wong pour qu’il puisse aider Kinako dans son enquête. Alors que la population panique à l’idée d’un tueur au fusil frappant au hasard, Fang ne semble pas être le seul impliqué. Un avocat de la police semble tirer les ficelles dans l’ombre. Wong parvient alors à échapper à la surveillance de ses geôliers pour retrouver par ses propres moyens Fang. Un duel de tueurs à gages s’engage dans la ville.

Troisième volet d’une série entamée par deux téléfilms, le succès de cette histoire peu commune entre un criminel et une femme policière a poussé les producteurs a tenter l’aventure du grand écran. Même s’il est inutile d’avoir vu les deux opus précédents pour comprendre l’histoire (un flash-back introductif et bâclé évacue toute incompréhension à la vitesse grand V), force est de constater que le film ne tient pas les promesses du genre, c’est à dire celui du polar. John Woo avait intégré d’une main de maître le romantisme au cœur des scènes de gunfights dans The killer, ici il ne reste rien de cette leçon inoubliable. Tout juste un duel final sur les toits aussi mal chorégraphié et monté que possible avec en prime des combats à main nues un peu grotesques et, surtout, inutiles, la femme flic préférant se battre avec ses poings plutôt qu’avec son arme devant des assaillants armés de fusils !

Le jolie minois de Miki Mizuno n’y peut rien, on s’ennuie ferme devant ce film qui manque non seulement de rythme mais aussi de conviction. Les personnages sont esquissés, les péripéties bien pauvres face à la richesse du sujet (l’idée d’un tueur prenant en otage tout un pays devant le refus du gouvernement de payer une rançon est plutôt originale). Habituée des séries B, on avait pu voir l’actrice notamment dans Gamera 2 de Shusuke Kaneko en 1996, Salaryman Kintarô de Takashi Miike en 1999 ou bien encore A chance to die de Yiwen Chen en 2000. Ici l’actrice tente tout ce qu’elle peut pour nous convaincre du dilemme qui la travaille : sur le point de se marier avec un officier de police, elle n’en avait pas pour autant oublier son amour pour Wong et son retour au Japon ne fait qu’empirer la situation. Sans être larmoyant comme The killer, on est très loin de la passion qu’éprouve le tueur pour une femme qu’il sait inaccessible comme l’a pu mettre en scène John Woo.

My lover is a sniper est le premier long-métrage de Toshiharu Muguruma et en cela ne présage rien de bon. Montage hétérogène, cadres aléatoires, musiques omniprésentes et franchement irritantes à certains moments, le film ne possède aucun style et le passage au grand écran se révèle catastrophique. On le sait, le cinéma japonais ne fait pas toujours dans le meilleur goût mais la plupart du temps on peut se satisfaire d’une irrévérence, d’une provocation ou au moins d’idées visuelles originales qui leur procure du charme. Ici c’est le calme plat d’un polar sans maîtrise et sans surprise. Les tours de Tokyo auraient pu devenir le terrain de jeu d’un duel sans merci entre des tueurs à gages de premières mains, mieux vaut se tourner vers les épisodes de Nicky Larson ou de Golgo 13 pour y trouver son bonheur.

Wild card (Kim Yoo-jin, 2003): chronique preview

WILD CARD
Un film de Kim Yoo-jin
Avec Yang Dong-kun, Jeong Jin-yeong, Han Chae-young, Gi Ju-bong, Hwang Jun-yeong, Yu Ha-bok
Genre: policier
Pays: Corée du Sud
Durée : 1h57
Date de sortie : indéterminée

Jay-soo est un détective jeune, dynamique et volontaire qui ne jure que par l’efficacité. Avec Yeong-dal, son coéquipier surnommé le bulldozer, plus âgé et lus expérimenté, ils se lancent sur une enquête de meurtre. Quatre jeunes parcourent en effet les rues de la ville en recherche d’argent, tuant leurs victimes à coup de boule d’acier. Alors que l’enquête piétine, les quatre jeunes violent une serveuse de bar. Les victimes s’enchaînent et au commissariat, il y a urgence. Jay-soo se voit comme un héros des temps modernes alors Yeong-dal a su prendre de la distance avec sa profession. Par ailleurs le jeune détective se met à draguer une jeune femme, chaque semaine lorsqu’elle sort de son club de gym. Une jeune femme que Yeong-dal connaît bien. Il attend que Jay-soo apprenne la surprise.

Kim Yoo-jin n’est pas tout à fait un inconnu car on lui doit entre autre le très récent The divine weapon, vu au dernier Festival du Films Asiatique de Deauville mais aussi A promise, le film coréen le plus rentable de l’année 1998. Le cinéaste s’attaque avec Wild card au genre policier tendance portrait de flics en mêlant avec habileté et humour les sempiternelles courses poursuites à pied et moments plus intimes. Kim Yoo-jin est loin de renouveler le genre, voir même il pompe allègrement dans les clichés du duo de flics quelque peu antinomique, cependant la qualité d’interprétation et un montage serré font du film un agréable moment cinématographique. Principal qualité du métrage, le développement des personnages, surtout cette famille de policiers qui doivent se soutenir dans les méandres d’une affaire de meurtre difficile. Certes le film se place dans la catégorie « valorisation des forces de l’ordre » mais les différents policiers sont suffisamment nuancés et développés pour éviter toute caricature. Les tensions comme l’unité règnent à la fois au sein d’une équipe qui mêle officiers expérimentés et jeunes loups prêts à en découdre.

Dans ce monde masculin, les femmes n’en sont pas absente. Même si elles n’ont pas le beau rôle, il faut noter la causticité de la femme de Yeong-dal, fleuriste de son état, qui reçoit les appels rageurs d’anciens détenus arrêtés par son flic de mari avant de les envoyer paître en leur donnant le numéro de portable de ce dernier, histoire qu’il reçoive lui-même les invectives mal placées. Autre personnage féminin fort, cette fameuse créature que Jay-soo n’arrête pas d’importuner à sa sortie de ses séances de fitness interprétée par la sublime Han Chae-young, une habituée des dramas télévisuels mais aussi déjà vue dans Changing partners, une romance signée Jeon Yun-su en 2007. Côté casting masculin, notons la présence de Yang Dong-kun dans le rôle principal du jeune détective et déjà aperçu dans Adresse inconnue de Kim Ki-duk et Jeong Jin-yeong, acteur reconnu pour ses rôles dans des films aussi différents que Green fish (Lee Chang-dong, 1997), Guns & talks (Jin Jang, 2001) ou plus récemment Le roi et le clown (Lee Jun-ik, 2005).

Wild card reste somme toute davantage un film anecdotique qu’une véritable entrée en matière sur le thème du combat contre la délinquance avec un arrière fond de réflexion sur les violences policières. Paradoxe du film, Yeong-dal tente de faire comprendre à son jeune coéquipier qu’il n’est pas préférable d’user de son arme à tout bout de champ alors que les passages à tabac contre les malfrats sont monnaie courante tout au long du film. Loin d’atteindre la tension et la violence des films d’un Park chan-wook par exemple, il faut noter la récurrence des combats à mains nues ou avec des objets tranchants et contendants (poignards, couteaux, batte de baseball, barre d’acier, etc.) dans le cinéma coréen. Nécessité d’une démonstration de virilité ? Simple ressorts narratifs et dramatiques ? Cette violence s’explique certes dans des films tels que Breathless, qui laisse littéralement le spectateur sur le carreau, mais dans ce film policier plus léger, la tendance à la complaisance violente a de quoi interroger. Le film se laisse regarder avec un petit plaisir sans pour autant convaincre totalement.

Fireball (Thanakorn Pongsuwan, 2008): chronique preview

FIREBALL
Un film de Thanakorn Pongsuwan
Avec Preeti Barameeanant, 9 Million Sam, Khanutra Chuchuaysuwan, Phutharit Prombundarn, Arucha Tosawat, kumpanat Oungsoongnern, Anuwat Saejao, Kannut Samerjai
Genre: action, arts-martiaux
Pays: Thaïlande
Année: 2008
Durée: 1h30
Date de sortie: indéterminée

Tai, un jeune délinquant sort de prison par la grâce d’un bienfaiteur avisé. A peine revenu dans son quartier il apprend que son frère jumeau est dans le coma depuis plusieurs mois suite à une lésion cérébrale. Lorsque la petite amie au chevet de celui-ci lui apprend qu’il revenait chaque soir le corps recouvert de bleus, Tai comprend vite que son frère s’était inscrit au fameux fireball, un sport ultra-violent qui mélange le principe du basket ball avec les règles de la boxe thaïlandaise où tous les coups sont permis, y compris les plus fallacieux. Tai est par ailleurs vite approcher par son bienfaiteur, le propriétaire d’ue équipe de fireball justement. Géré par la mafia, le jeu remporte gros mais chaque participant joue avec sa vie. Tai n’a pas le choix, la récompense promise à la clef du tournoi lui permettrait d’envoyer son frère dans un hôpital étranger où il serait opéré. Très vite Tai sera une épine dans le pied des plus gros parieurs, qui aiment connaître l’issu des matchs à l’avance…

Seul film thaïlandais présenté cette année lors du Festival du Film Asiatique de Deauville, Fireball joue la carte de l’efficacité à fond sans détour vers une quelconque dramaturgie complexe. C’est simple les matchs de boxe-basket gagne à chaque fournée en intensité et en violence, depuis le petit terrain grillagé du quartier jusqu’aux cales sèches transformées en arènes pour le combat final, véritable ode à la puissance et à l’instinct de mort. La culture du street basket (genre attitude cool, maîtrise complète du ballon et orgueil d’offrir à la foule ce qu’elle est en droit d’attendre) rejoint celle de la boxe thaïlandaise sans règle et sans honneur. Dans le fireball ça frappe vite et fort, seul but de la manœuvre : être le premier à faire passer le ballon dans le filet.

Alors forcément les scènes d’exposition et de mélodrame (la petite amie qui pleure sur le corps inanimé de son copain) sont vite expédiées pour ne pas impatienter le chaland. D’ailleurs Thanakorn Pongsuwan, réalisateur de Fireball déjà présent au Festival Asiatique de Deauville l’an passé avec Opapatika, n’est pas réputé pour ça. Là où son précédent film avait déçu à cause d’un montage brouillon ultra-rapide, le thaïlandais semble avoir réfréné ses ardeurs pour nous présenter un film d’action un peu plus sage pour être un peu plus compréhensible. On ne peut pas dire que le chef d’œuvre est au rendez-vos, loin de là, mais la facture de ce nouveau long-métrage est plus qu’honnête, provoquant même quelques doses d’adrénalines dans les séquences aériennes où chaque combattant tente de s’emparer du ballon, si possible en écrasant le visage de l’adversaire en même temps.

L’efficacité des scènes d’action ne cachent pas cependant quelques défauts de chorégraphies, parfois un peu trop sommaires et pas assez osées. On imagine fort aisément ce qu’un tel potentiel de figures et de coups aurait pu provoquer dans l’imagination d’un Sammo Hung ou d’un Ching Siu-tung. Certes ces deux-là sont moins versés dans la violence pure que nous dépeint le film, mais leurs folles idées de chorégraphies auraient insufflé une véritable dose d’épique qui manque ici quelque peu. Mais que l’on se rassure, si les Thaïlandais n’ont pas inventé le cinéma, ils connaissent déjà les vertus pécuniaires d’une franchise qui s’installe. Pas besoin d’être un génie pour comprendre que si l’intrigue est très mince, le concept du film est lui très fort et déclinable à l’infini. Merci les scénaristes.

Firaaq (Nandita Das, 2008): chronique preview

FIRAAQ
Un film de Nandita Das
Avec Nasseruddin Shah, Shahana Goswami, Sanjay Suri, Tisca Chopra, Deepti Naval, Paresh Rawal, Nowaz, Mohammad Samad
Genre: drame
Pays: Inde
Année: 2008
Durée: 1h41
Date de sortie: indéterminée

Dans l’état du Gujarat en Inde, à la frontière pakistanaise, de violentes émeutes confrontent les Hindous et les Musulmans. Des milliers de morts vont provoquer l’une des blessures les plus profondes de l’Inde actuelle, blessures d’autant plus vivaces qu’elles rouvrent les plaies ouvertes quarante ans plus tôt avec les premières violences intercommunautaires. Au cœur du drame, quatre destins tragiques : celui d’une épouse hindoue, battue et humiliée par son mari mais surtout traumatisée par les images de femmes et d’hommes assassinés dans la rue à coups de sabre, un couple musulman ensuite qui, après avoir passé plusieurs semaines caché dans une cave, revient dans leur foyer emporté par les flammes, le destin incertain également d’un couple mixte, dont l’homme n’arrive pas à assumer son identité religieuse face aux menaces et à la vindicte populaire à l’encontre des Musulmans, celui enfin d’un vieux musicien qui refuse de voir la tragédie se profiler dans sa ville, se réfugiant dans l’étude paisible de la poésie et des mélodies traditionnelles musulmanes. Au milieu de déchaînement de violence, un petit garçon aux pieds nus cherche désespérément son père, mort pendant les émeutes. Firaaq ou la chronique d’un malaise social et historique qui secoua le pays tout entier.

Drame historique douloureux, Firaaq donne une image terrible du passé proche de l’Inde, loin de l’imagerie policée et joyeuse des romances musicales bollywoodiennes. Derrière la caméra, et pour son premier film en tant que réalisatrice, l’actrice renommée Nandita Das qui, justement, a toujours refusé les fastes de l‘industrie cinématographique indienne. Fille d’un peintre et d’une écrivaine reconnus, elle fut d’abord attirée par le travail social avec les enfants avant d’entamer sa carrière d’actrice à la fin des années quatre-vingt. Cette préoccupation pour les faits de société se retrouve totalement dans ce premier film très dur mais aussi, heureusement, touchant. Le film choisit de raconter l’histoire de personnages fictifs dans un contexte réel afin d’évoquer de différents points de vue les souffrances que ces conflits religieux ont pu provoquer plutôt que d’adapter une histoire vécue, qui aurait pu sembler plus forte mais n’aurait pas permis l’ouverture des différentes problématiques.

Si la tendance pro-musulmane du film est le seul aspect à mettre à distance, la mise en scène, elle, épouse ses personnages. Car sous le vernis des conflits religieux se terrent d’autres thèmes proches des interrogations d’une société en mutation ; le quotidien des femmes battues, la misère qui envahit les rues, les familles entières parquées dans des camps, une police raciste et indifférente aux soubresauts qui menacent les communautés, une mixité des couples toujours remise en cause. Etrangement, le petit garçon orphelin et sans défense traverse cette vague de violence presque sans s’en rendre compte. Image d’une innocence foulée au pied par les adultes, le regard de l’épouse hindoue battue trouvera dans la protection de ce petit être une forme de salut moral. Critique féroce de la violence comme réponse à d’autres violences antérieures, le film décrit le cercle vicieux, pourtant naturel car pulsionnel, de la haine. Haine de l’autre sans discernement et sans tolérance.

L’image du vieux musicien, peut-être insuffisamment développée dans ces récits à plusieurs voix, renverse heureusement l’aspect sombre de ces mauvais souvenirs. Aveugle car désespérément optimiste dans la nature humaine, il finira par douter de l’efficacité de quelques notes de musique harmonieuses face à la puissance des armes avant de reprendre espoir et de continuer ses leçons, ouvertes à tous. L’image du sage en somme, de l’attitude pacifiste qui, bien sûr, fait écho à l’image historique de Ghandi. Car après tout, le dialogue des sagesses musulmane et hindoue est certainement la seule réponse possible à ces relents de communautarisme. Le verbe, l’arme la plus fatale de l’existence humaine car capable des versets les plus criminels, peut aussi calmer les cœurs et les esprits les plus réticents, une nécessité si l’on veut construire un monde vivable pour ceux qui, comme l’enfant orphelin, avancent les pieds nus, sans défense.

Ip Man (Wilson Yip, 2008): chronique preview

IP MAN
Un film de Wilson Yip
Avec Donnie Yen, Simon Yam, Fan Siu-wong, Ka Tung Lam, Yu Xing, Wong Yu-nam
Genre: arts martiaux
Pays: Hong-Kong
Année: 2008
Durée: 1h45
Date de sortie: indéterminée

Dans les années trente, Fuoshan est réputée pour ses écoles d’arts martiaux situées dans une seule et même rue. Les différents maîtres et disciples se mesurent les uns aux autres dans l’espoir de rendre influent leur style de combat. Mais le plus grand maître de la ville est Ip Man, un bourgeois néanmoins proche des gens qui refuse de former une école et de prendre sous son aile des disciples. Il révèle parfois à ses amis, dans le secret des portes fermées de sa demeure, quelques clés de son art martial, le wing chun, une boxe efficace et rapide. Mais l’incident du pont Marco Polo va bientôt faire sombrer la Chine dans la guerre, les forces armées japonaises envahissant le territoire. Chassé de sa riche demeure et devenu mineur, Ip Man s’interroge sur l’utilité de son art jusqu’au jour où un colonel japonais organise, contre des rations de riz tant recherchées, des combats à mains nues avec ses meilleurs soldats. Alors que son meilleur ami y trouve la mort, Ip Man terrasse l’ensemble des lutteurs japonais, révélant ses talents au général qui voit en lui l’homme idéal pour entraîner ses troupes à la boxe chinoise.

Dernier film de Wilson Yip en date, il narre un épisode de la vie de l’un des grands maîtres du kung-fu moderne, Ip Man (ou Yip Man selon les graphies) dont Bruce Lee fut l’un des disciples dans les années cinquante. Le film prend pour cadre les années d’avant-guerre et celles du conflit, une période douloureuse pour les Chinois soumit alors à la cruauté de l’armée japonaise. En terme technique le film est irréprochable, Donnie Yen procurant au personnage une réelle épaisseur humaniste quand la chorégraphie des combats échoie à Sammo Hung et à Tony Leung Siu Hung (Le sens du devoir 3, Double dragon). Les combats sont impressionnants, dans une veine réaliste avec néanmoins l’appel des câbles pour certaines cascades acrobatiques mais le style traditionnel de la boxe chinoise est ici pleinement conservée dans des figures et des coups particulièrement rapides et précis. Si le début du film est un peu plus sage, le rythme prend très vite son envol, accumulant des rixes de plus en plus sophistiquées et violentes car, dans son enseignement, Ip Man a toujours voulu conserver une volonté de non-violence jusqu’au jour où celle-ci éclate contre les soldats japonais.

Là se trouve certainement le principal défaut du film car si Ip Man ne respecte pas la biographie du maître à la lettre, ce qui est souvent le cas d’un biopic au cinéma, le film prend carrément ses aises face à la réalité historique pour raconter une autre histoire, celle d’un groupe d’ouvriers initiés par Ip Man qui, après avoir protéger leur usine d’une bande de voyous, se transformera en groupe de résistance contre l’envahisseur japonais. En effet, contrairement à ce qui est dit dans le long-métrage, Ip Man n’a jamais refusé d’enseigner son art, et ce même avant la guerre, et, bien que d’origine aisée, il fut officier de police dans les années trente. Jamais entraîné dans une quelconque série de combats contre des soldats ou des officiers de l’armée japonaise, Ip Man ne choisira de fuir à Hong-Kong qu’à la fin des années quarante, non pas pour échapper aux représailles des forces japonaises donc, mais pour échapper aux Communistes qui arrivent à Fuoshan, étant devenu entre-temps un officier du Kuomintang. Le film fait de lui un héros malgré lui, qui réussit à unifier les Chinois contre l’envahisseur, en total contradiction avec ce que fut réellement sa vie. Seul élément véritable de cette période, Ip Man refusa en effet d’entraîner les forces japonaises au combat à mains nues.

Jamais un projet de long-métrage ne s’était intéresser à ce maître pourtant très réputé dans le monde des arts martiaux, et l’on comprend que le cinéma chinois se cherche aujourd’hui des héros modernes sans toutefois respecter souvent la réalité des faits. Une séquelle serait en préparation, se concentrant sur la suite de son histoire, celle de son école de wing chun à Hong-Kong où Bruce Lee fut initié pendant que Wong Kar-wai préparerait son propre projet de biographie. Aux côtés de Fong Sai-yuk ou encore de Wong Fei-hung, l’enseignement de Ip Man revient sur les devant de la scène cinématographique dans un pays qui a proscrit, pendant des décennies, tout enseignement des arts martiaux. Une belle revanche pour ces derniers qui trouvent dans le cinéma matière à s’exprimer et à se développer dans une forme certes spectaculaire mais toujours aussi fascinante et intrigante pour les Occidentaux que nous sommes.