Dragons (Chris Sanders et Daen DeBlois, 2009): chronique cinémaa

DRAGONS
(How to train your dragon)
Un film de Chris Sanders et Dean DeBlois
Avec les voix originales de Jay Baruchel, Gerard Butler, America Ferrera, Jonah Hill, Christopher Mintz-Plasse, Craig Ferguson, Kristen Wiig
Genre: animation
Pays: USA
Durée: 1h33
Date de sortie: 31 mars 2010

Au cœur des terres vikings, le quotidien des guerriers n’est rien d’autre qu’un combat inlassable contre les dragons, des voleurs de bétail et des destructeurs systématiques du village. Un soir comme un autre où le combat fait rage, la destinée d’Harold, adolescent singulier et fils du chef de la petite bourgade, va prendre une étonnante tournure. Gaffeur invétéré et victime de la poisse, il n’est jamais écouté par ses pairs, pourtant cette nuit-là c’est bel et bien un dragon qu’il abat, la créature la plus mystérieuse qui soit, une Furie Nocturne. Son père, Stoïk, désespère de faire de lui un homme, c’est à dire un tueur de dragon mais lorsque le jeune homme s’apercevra que la créature est toujours vivante et clouée au sol à cause d’une aile défectueuse, il va peu à peu découvrir combien les dragons peuvent être fragiles et peureux et que les vikings sont loin de tout savoir sur leurs ennemis jurés. Il va alors apprivoiser la bête et prendre en main son destin.

Dernier né des studios Dreamworks en matière d’animation, Dragons est l’adaptation du roman de Cressida Cowell, Comment dresser votre dragon ?. La mythologie nordique se couple donc d’un soupçon de fantasy non sans une pincée d’humour et d’absurde qui fait justement le sel du film. Les personnages, toujours caricaturés mais haut en couleurs, procurent la matière du film, celle d’un village où chacun à sa place sauf le jeune Harold, éternel incompris et gaffeur qui désespère la communauté entière. Le film se lit donc comme un récit d’initiation où l’ingéniosité du garçon et sa propension à voir les choses d’un œil neuf va le conduire à trouver sa propre place. L’autre grande attraction sont les « bêbettes » du film, les dragons, dont la multitude des espèces est égale à leur force de destruction prodigieuse. Sous le nom de Vipère, de Cauchemar Monstrueux ou encore de Terreur Terrible, les reptiles s’en donne à cœur joie pour enflammer tout ce qui bouge non sans quelques maladresses parfois.

Si le film insiste sur l’amitié naissante entre l’adolescent et la créature blessée, le récit n’est pas dénué d’action et les séquences de combat sont savamment orchestrées pour dynamiser le rythme et fournir d’amples explications sur les capacités des monstres volants, véritable bestiaire plus farfelu qu’il n’y paraît au premier coup d’œil. Ce qui est source d’exercice et d’entraînement pour tous les jeunes vikings qui se respectent va être au contraire source d’admiration et d’observation pour Harold, décidément à contre courant de la coutume villageoise. Sur ce plan là, le scénario tire le maximum des possibilités narratives et mène les péripéties tambour battant quitte à, parfois, notamment au tout début, ne pas laisser le temps au spectateur d’apprécier cet univers médiéval teinté de fantastique.

En termes techniques, Dragons profite de l’expérience davantage maîtrisée aujourd’hui de la 3D, évitant les sempiternels objets lancés à la figure du spectateur pour davantage se concentrer sur la profondeur de l’image, offrant des points de vue privilégiés sur cet univers dépaysant. Les scènes de vol n’ont rien à envier à celles d’Avatar, la même sensation de suspension et de célérité et la même beauté plastique des hauteurs habituellement inatteignables. L’animation n’est pas en reste et fait la part belle à des gestuelles typiques de chaque personnage. La Furie Nocturne notamment est à la fois la puissance et la grâce incarnée, véritable créature racée qui tranche violemment avec l’aspect plus chaotique des autres races de dragons. Les effets de matière, de textures et le soin apporté aux éclairages sont saisissants. Que l’on adhère ou non aux choix esthétiques du film, l’animation elle est impériale et sans faute, davantage fouillée et précise que sur les précédents films du studio, que ce soit Shrek ou bien Madagascar. Une belle réussite pour une histoire qui mêle évasion et récit initiatique tout en revisitant d’un regard décalé le monde des vikings.

Nabari vol.1 (Kunihisa Sugishima,2009): chronique DVD

NABARI
(Nabari no ou)
Une série de Kunihisa Sugishima
Genre: animation
Episodes: 26
Durée: 25 min par épisode
Pays: Japon
Editeur DVD: Kaze
Date de sortie: 4 novembre 2009

Miharu est un jeune garçon très renfermé et détaché du monde qui l’entoure. Lorsqu’il est attaqué par des ninjas du groupe des Loups Cendrés, il rencontre Tobari et Kôichi qui le protège. Miharu apprend alors l’existence du monde de Nabari, le monde caché des shinobi. Tobari, qui est professeur d’anglais dans le monde visible, est par ailleurs à la tête du clan Banten dont le village ancestral a disparu. Le jeune garçon apprend en outre que les ninjas des Loups Cendrés du clan Iga sont à ses trousses parce qu’il possède en lui le shinra-banshô, le pouvoir ultime qui rassemble toutes les techniques secrètes des shinobi. Parce que ce pouvoir est convoité par tous les ninjas, Miharu devient le centre d’intérêts de tous. Si certains désirent voir disparaître cette terrible force, d’autres veulent se l’approprier pour dominer les hommes. Malgré ses amis qui le protègent, Miharu comprend vite que chacun possède ses secrets et sa part d’ombre, notamment Tobari, qui est le seul a connaître les circonstances de la mort de la mère de Miharu.

Série de 26 épisodes dont les neuf premiers sont présentés dans ce premier volume, l’adaptation animée issue du manga original de Yuhki Kawatani est l’œuvre du studio J.C.Staff, responsable notamment de Ai yori aoshi et d’Excel saga, entre autres. Nabari se présente comme l’anti-Naruto par exellence : ici pas de combat à rallonge, d’entraînements surhumains ni de personnages trop vite esquissés mais au contraire une exploration plus complexe des conséquences des actes de chacun et des secrets cachés. Même si la série pêche par ce mélange peu convaincant du monde contemporain avec celui des shinobi, les tourments qui animent les personnages se révèlent, au fil des épisodes, très prenants. Chaque personnage prend ainsi une place particulière dans le récit qui révèle peu à peu ses véritables enjeux. Le design-character est ce qui frappe le plus, les personnages, plutôt frêles et efféminés, lorgnent davantage vers les codes du shôjô que ceux du shônen. La raison se trouve peut-être dans le fait que l’auteur du manga, Yuhki Kawatani, soit une femme. Si Nabari développe des thèmes récurrents comme la confrontation des ninjas pour obtenir le pouvoir définitif où la résurgence d’un passé enfoui qui risque de faire basculer les évènements, les combats en tant que tel ne prennent qu’une place toute relative dans l’animé. Les personnages sont suffisamment intéressants pour éveiller durablement l’intérêt du spectateur.

La chorale (Akio Nishizawa, 2006): chronique DVD

LA CHORALE
(8 Gatsu no symphony)
Un film de Akio Nishizawa
Genre: animation, drame
Pays: Japon
Durée: 1h36
Editeur DVD: Kaze
Date de sortie DVD: 3 septembre 2008

Au printemps 1956, Rieko Sakamoto est nommée nouveau professeur de chant à l’école primaire de Kiba. Au même moment une nouvelle élève, Shizu Miyanaga, intègre la classe de CM2 où se trouve Akira, le fils du menuisier, le meilleur élève de la section. Shizu est également une très bonne élève et ses aptitudes au chant et au piano font espérer à la classe la victoire pour le prochain concours de chant organisé en fin d’année. Pourtant un incident malheureux va remettre en question la participation de l’école à ce concours, Gon le fils du tavernier ayant entraîner ses copains dans une série de vols à l’étalage. Akira lui-même a participé à ces larcins et c’est tout l’école qui écope des conséquences. Un autre drame vient perturber les écoliers mais finalement la participation au concours et de nouveau autorisé. Les enfants s’entraînent donc chaque soir pour rattraper le temps perdu et apprennent l’une de ces fameuse chansons traditionnelles.

Nominé en compétition au 12^ème Festival du Film Asiatique de Lyon en 2006, La chorale n’a malheureusement pas connu de sortie salle en France, un comble au regard de la qualité de ce long-métrage et de son public potentiel, un film à la fois tourné vers une audience mature mais également vers un public plus jeune, le film traitant de l’enseignement scolaire. Produit dans le cadre du WAO, un réseau national d’entreprises d’enseignement général, que le réalisateur-auteur développe depuis près de trente ans étant lui-même enseignant, le film traite du thème des doyo, ces chansons traditionnelles pour enfants que le Japon moderne a délaissé ces dernières décennies.

Sensible à la fois par la portée culturelle et folklorique de ces chansons, et par l’importance d’un enseignement qui met en avant des méthodes appropriées pour le développement des enfants, Akio Nishizawa nous raconte cette période transitionnelle de l’histoire du Japon moderne qui sort enfin des affres de l’après-guerre pour entrer dans une nouvelle ère de prospérité économique, une nouvelle ère qui malheureusement délaisse les traditions et les éléments culturels du passé pour se concentrer sur les progrès technologiques et la volonté de s’imposer comme puissance mondiale de première ordre, souhait exaucé à la fin du film lorsque le directeur de l’école annonce à ses élèves que la Japon devient le 80^ème pays à intégrer l’ONU, mettant un terme à la marginalisation du pays suite à la Seconde Guerre Mondiale.

Le film rappelle par bien des aspects notre succès national Les choristes de Christophe Barratier,  un même désir de parler d’une époque et surtout de souligner la cohésion qui se forme au sein des enfants lorsqu’ils partagent un même but, un même désir. Le chant comme méthode d’apprentissage non seulement d’un texte et de sa signification mais surtout d’un savoir-vivre et d’une discipline nécessaire à son accomplissement. La chorale développe en outre un contexte bien particulier, celui d’une société en mutation qui a souffert du manque de travail et de nourriture, une époque de restriction qui a encouragé les parents a donner à leur enfants la possibilité d’étudier pour échapper à cette misère. Le contexte familiale fait écho au contexte scolaire et l’éducation des enfants passe autant par la discipline de l’école que par l’autorité parentale. L’on pourrait souligner le caractère naïf de ce thème mais la société japonaise est en effet concentrée autour de ces deux pôles au sortir de la guerre, cherchant ses repères après une période trouble de plus de vingt-cinq ans depuis la militarisation du pays au début des années trente. Un film sensible et beau.

Evangelion 1.0 you are (not) alone (Hideaki Anno, 2007): chronique cinéma

EVANGELION 1.0 YOU ARE (NOT) ALONE
(Evangerion shin gekijôban: jo)
Un film de Hideaki Anno
Genre: animation
Pays: Japon
Durée : 1h38
Date de sortie : 4 mars 2009

Quinze après la catastrophe qui a annihilée la moitié de la population, évènement terrible plus connu sous le nom de « second impact », un jeune garçon prénommé Shinji Ikari, est appelé auprès de son père, à la tête de la NERV, une organisation ultra-secrète sous l’égide de l’ONU. Alors que les Anges, ces créatures mystérieuses, ravagent la surface, l’organisation a développer des armes ultra-sophistiquées, les Eva, des robots géants d’un type révolutionnaire. Shinji, qui n’avait pas vu son père depuis des années, est chargé par ce dernier de piloter l’Eva-01. Le garçon, innocent, comprend qu’il va devoir se battre contre ces créatures puissantes. La peur de l’échec et de la souffrance va s’opposer à son désir profond de prouver à son père sa valeur. Au quartier général de la NERV, Shinji va rencontrer une jeune fille, Rei Ayanami, qui pilote le premier prototype des Eva, l’Eva-00. Comme lui, Rei est une adolescente discrète et introvertie. Sur leurs épaules repose le sort de l’humanité.

Nouvelle version de la célèbrissime série japonaise d’animation Neon genesis evangelion, Evangelion 1.0, sous-titré « you are (not) alone », est le premier volet d’un triptyque qui revisite l’univers de la série originale. Hideaki Anno, créateur et auteur de la licence est toujours aux commandes de cet univers futuriste impressionnant. Si l’on nous promet des éléments innovateurs dans les second et troisième volets, Evangelion 1.0 reprend les bases de l’intrigue de la série télévisée diffusée en 1995. Que les profanes se rassurent, nul besoin de connaître les vingt six épisodes pour suivre le récit de ce nouveau film même si, il faut bien l’avouer, les termes techniques et la narration très elliptique du récit risquent d’en désarçonner plus d’un.

C’est surtout sur l’aspect technique que le film innove puisqu’il n’a pas seulement été décidé de reprendre quelques séquences remontées de la série pour composer un nouveau long-métrage, c’est tout un processus de « reconstruction » des éléments originaux qui a été engagé. Plus qu’un lifting, certaines séquences mélangent de nouveaux éléments 3D aux dessins préexistants, les couleurs ainsi que de nombreux détails ont été rajoutés, les décors modifiés et améliorés pour correspondre au niveau d’exigence que requiert une sortie en salle. Pour les fans comme les novices, c’est à une redécouverte de l’univers d’Evangelion à laquelle nous sommes conviés.

Oeuvre culte de l’animation japonaise en matière de science-fiction, Evangelion 1.0 ne paraît plus aussi innovante que le fut la série originale et si l’on considère ce film de manière indépendante, l’on est toujours aussi impressionné par la complexité des péripéties et des intrigues bien que la narration, elle, pose quelques problèmes. Synthèse oblige, les quatre-vingt dix minutes du film ne permettent pas d’exposer les personnages de façon posée et patiente, au contraire les évènements s’enchaînent à un rythme haletant, sans pour autant que l’on comprennent précisément la motivation de certains protagonistes. Ce défaut mis à part, les scènes de combat sont très prenantes et les éléments de sous-intrigues se révèlent peu à peu. Dans l’univers des robots géants Evangelion se place en marge en développant une relation particulière entre l’homme et la machine. D’autres œuvres abordaient également ce thème par l’entremise d’une relation neurologique entre l’humain et l’inanimé, ici c’est une relation véritablement biologique qui s’instaure entre les pilotes et leur Eva. Le design toujours aussi racé de ces créatures emportent l’adhésion et les prochains volets nous promettent par ailleurs quelques surprises de ce côté. Certains plans énigmatiques préparent le terrain pour la suite mais découvrir, ou redécouvrir, Evangelion sur grand écran se révèle déjà une agréable expérience.

Hokuto no Ken – l’ère de Raoh (Takahiro Imamura, 2006): Chronique DVD

Hokuto no Ken – l’ère de Raoh
(Shin Kyûseishu Densetsu Hokuto no Ken : Raoh den Junai no Shô)
Un film de Takahiro Imamura
Genre: animation
Pays: Japon
Durée : 95 minutes
Editeur DVD: Kaze
Date de sortie cinéma: 14 mai 2008
Date de sortie DVD: 19 novembre 2008

Alors que les ombres de la guerre atomique planent encore sur le destin funeste de la Terre, Souther, l’héritier de l’école Nanto, une technique de combat qui détruit ses adversaires par des coups externes. Il fait régner la terreur en kidnappant les enfants qu’ils envoient aux travaux forcés pour ériger une pyramide à la gloire de son école et de sa branche, le Nanto Roku Seiten (les six poings sacrés du Nanto), la plus puissante et la plus destructrice de toutes. Au milieu du chaos émerge Kenshirô, l’héritier de l’école de la Grande Ourse, le Hokuto Shinken, rivale du Nanto. L’équilibre des deux écoles a toujours prévalu pour ne pas menacer la paix, mais les récents agissements de Souther et sa volonté de toute puissance, il se fait surnommé l’Empereur sacré, ont anéanti les espoirs d’un monde meilleur. Raoh, le grand frère de Kenshirô mène ses propres armées contre les troupes de Souther avec à ses côtés Reina, une amie d’enfance devenue son lieutenant le plus zélé. Shû, le descendant de l’étoile de la bonté de l’école Nanto Hakuro Ken (une branche moins puissante du Nanto), mène de son côté la résistance et tente de rallier des guerriers contre le despotisme de Souther. Par le passé, Shû s’était confronté à Kenshirô, alors jeune homme, lors du défi contre les dix hommes du Nanto. Ayant gagné le combat, Shû a préférer sacrifier ses yeux pour sauver Kenshirô de la mort, rituel immuable qui attend le perdant, sentant le potentiel de l’adolescent. Kenshirô, apatride et sans idéologie, erre depuis, aux côtés de Batt et Lynn, deux enfants sans racines. Peu à peu une évidence se confirme, Kenshirô doit affronter Souther dans un duel sans merci.

A l’occasion des 25 ans du personnage mythique qui a bouleversé notre enfance avec ses cris aigus et sa capacité à détruire ses adversaires en les faisant exploser, Kenshirô nous revient avec cette nouvelle adaptation du manga original scénarisé par Buronson et dessiné par Tetsuo Hara. Ce film ouvre toute une trilogie de films qui connaîtront les honneurs d’une exploitation en salle (Les héritiers du Hokuto et L’ère de Kenshirô) accompagnés de deux OAV (La légende de Yuria et La légende de Toki) qui sortiront directement en vidéo. Parallèlement le manga original (dont le titre fut changé en Ken le survivant pour la version française) connaîtra une réédition tant attendue depuis des années. On le voit les auteurs mettent les petits plats dans les grands pour fêter comme il se doit cet univers pourtant très violent et controversé qui ne nous a pas permis à l’époque de suivre la série jusqu’à son dénouement.

Sorti sur les écrans japonais en 2006, Hokuto no Ken – l’ère de Raoh jette les bases de ce monde inhumain où règnent la terreur et les morts violentes. Si quelques communautés repliées sur elles-mêmes essayent de reconstruire un monde nouveau pour leurs progénitures, les bandes armées et sans scrupules ne répandent que désolation et désastres. Le film pose le décor et les protagonistes et s’attarde surtout sur le personnage de Raoh qui souhaite apporter l’ordre et la paix en utilisant la violence, préambule inévitable selon lui. Shû est la seconde figure majeure du film et la séquence d’introduction, le combat contre les dix hommes du Nanto, est en cela impressionnante. Un lien indéfectible lie désormais Kenshirô à l’homme qui l’a sauvé de la mort, et ce lien témoigne du nécessaire équilibre entre les deux écoles de combat.

Nouvelle adaptation donc avec un character-design particulièrement marqué, signé Shingo Araki, qui multiplie les traits épais et anguleux conférant ainsi aux personnages une masse et une puissance indéniables. Malheureusement l’animation n’est, elle, pas à la hauteur des espérances. Si cette faiblesse est aisément pardonnable à la série animée des années quatre-vingt (manque de moyens, rapidité de l’exécution, techniques non assistées par ordinateur), ce n’est pas le cas pour ce nouvel opus, d’autant plus que l’on ressent un effort particulièrement souligné dans le design et les couleurs. Une animation trop limitée, pas assez audacieuse ni techniquement réussie, dommageable pour cette sortie en salle, chose rare ces derniers temps sauf si l’on s’appelle Hayao Miyazaki. Autre grosse déception et pas des moindre (et là l’exploitation salle aurait dû nous mettre la puce à l’oreille), cette version de Hokuto no Ken est très aseptisée, soft, presque propre. Impardonnable ! Quand on sait que l’on bénéficie du Director’s cut pour la sortie cinéma, on se demande bien ce que la version censurée doit contenir. Loin des effusions de sang et de la boucherie, marque de fabrique du manga et tout simplement de l’univers des écoles d’arts martiaux du Hokuto et du Nanto, du premier film de 1986, les techniques mortelles sont ici tout simplement occultées par des cadrages et un montage qui nient l’aspect volontairement grotesque de l’original. C’est un aspect souvent oublié des petites cases de Tetsuo Hara, mais ses dessins ignorent les lois de la perspective et des proportions, poussant les limites de l’exagération jusqu’au-boutisme. Rien de sérieux dans ces corps qui se distordent, se brisent, éclatent à qui mieux-mieux.

On l’aura compris, Hokuto no Ken – l’ère de Raoh ne révolutionne pas la franchise même si le film introduit quelques éléments nouveaux liés au passé de Raoh, éléments qui seront  davantage explorés dans la seconde partie du film. Il faut néanmoins saluer la présence de Shû et de Toki, personnages fascinants qui permettent une pincée de sentiments dans ce monde de brutes. Ce dernier connaîtra par ailleurs les honneurs d’une OAV tout comme le personnage de Yuria, tout à fait ignorée dans ce premier opus. En effet, aussi étrange que cela puisse paraître, l’origine des fameuses sept cicatrices du torse de Kenshirô est pour l’instant laissée dans l’ombre du récit. Cet anniversaire à au moins le mérite d’exposer une évidence, malgré les associations et autres lobby de la défense de nos chères petites têtes blondes, j’en fut une autrefois, la popularité et le succès de Hokuto no Ken n’est pas à démentir. Seul regret, à l’époque nous avons eu la chance de connaître un univers hors de commun qui sortait largement des sentiers battus. Cette époque semble bel et bien révolue et ce nouveau film ne permettra pas aux nouvelles générations de comprendre combien fut le choc que nous avons ressenti lorsque Kenshirô énonçait pour la première fois son fameux « tu ne le sais pas encore mais tu es déjà mort ! ».

Hakkenden (Takashi Anno, 1993): chronique DVD

HAKKENDEN
(Hakkenden shin shô)
Une série de Takashi Anno
Genre: animation
Episodes: 13
Pays: Japon
Année: 1990 – 1993
Editeur DVD: Kaze
Date de sortie DVD: 7 mai 2004

En l’an 1457, les deux clans Satomi et Anzai s’affrontent dans une lutte de pouvoir. L’armée plus nombreuse d’Anzai conduit sa rivale vers la famine et l’agonie. Le chef des Satomi, Yoshizane Satomi Matataro, tente une dernière attaque pour renverser la tendance mais le plan échoue et le contingent envoyé dans la nuit fait face au démon qui a pris possession du chef des Anzai. Désespéré, Yoshizane propose à son chien Yatsufusa un pacte insolite: la tête de l’ennemi contre la main de sa fille, Fuse. A l’aube, avec surprise, l’animal revient avec la tête tranchée tant convoitée. Pour ne pas faire tomber la honte sur le clan, Fuse accepte le mariage avec le chien. Daisuke, le fiancé de Fuse, qui revient miraculeusement de l’attaque qui a échoué, ne peut accepter la situation. Il tue le chien d’un coup de fusil mais blesse du même coup Fuse qui meurt peu après. L’esprit de l’animal et de son épouse s’élève dans les cieux et se disperse aux quatre coins du Japon. Huit perles sont ainsi disséminées dans le but de faire naître huit guerriers dont le destin sera de réhausser l’honneur du clan Satomi. Hakkenden, la légende des huit guerriers chiens.

Adaptation animée du célèbre conte japonais écrit au XIXè siècle par Bakin Takizawa (1767-1848), Hakkenden est malheureusement beaucoup moins connu en Occident. Avec le film de Kinji Fukasaku, La légende des huit samouraïs, réalisé en 1983, la série animée  est la seule adaptation de ce récit parvenu jusqu’ici malgré la très grande popularité de l’histoire au Japon.  La série fut produite par les studios Pionneer, Geneon et AIC  et conçu en deux temps; les six premiers épisodes réalisés en 1990 – 1991  et les sept épisodes suivant  réalisés entre 1993 et 1995. La série combine à la fois un certain respect des clichés du chanbara (film de sabre japonais) avec un ton résolument contemplatif et même parfois totalement onirique. Les frontières entre la réalité, les souvenirs, les illusions et le monde démoniaque sont souvent très ténues et laissent parfois le spectateur dans l’incompréhension. Une histoire et une mise en scène avec ses défauts et ses qualités. Si en effet l’abondance des personnages, des lieux et des situations qui prennent place dans le Japon féodal peuvent prêter à confusion pour les moins familiers des histoires de samouraïs (sans compter une narration parsemée de flashes-back et de visions étranges), Hakkenden prend le temps de découvrir chaque personnage dans sa première moitié, avant d’être plus obscure dans les premiers épisodes de la seconde saison. Le gra^phisme lui tire le meilleur comme le pire de l’animation, la constance et la rigueur ne faisant pas partie des qualités de l’animé.

Pour ceux qui surmonteront cette approche difficile, c’est à une véritable légende épique qu’ils seront confrontés. Un récit ambiguë et riche d’enseignement sur la confrontation des clans à cette époque reculée de l’histoire du Japon. Le réalisme de la féodalité se mêle à l’ambiance proprement folklorique des démons japonais et des malédictions hériditaires qui touchent le clan Satomi. Loin de toute dichotomie facile, les épisodes plongent peu à peu dans une réalité changeante, énigmatique, derrière laquelle se cachent des secrets et des faux-semblants. Si la réalisation technique n’est pas toujours au rendez-vous, les scènes de combats aux sabres sont souvent étonnantes et suffisamment stylisées pour emporter l’adhésion. Hakkenden est une série animée à découvrir de toute urgence, tant elle s’éloigne d’une production de masse souvent tape à l’oeil. Ici le ton sombre et mélancolique n’est pas fait pour le tout venant, au contraire la série séduira celles et ceux curieux de découvrir un récit à la portée plus adulte.  En attendant de pouvoir découvrir le récit littéraire en France (dont la traduction des 106 volumes originaux risquent fort de ne jamais voir le jour), les treize épisodes de la série permettent déjà de se plonger dans ce conte si tragique et séduisant à la fois.

Special A vol. 1 (Yoshikazu Miyao, 2008): chronique DVD

SPECIAL A
Une série de Yoshikazu Miyao
Genre: animation
Nombre d’épisodes: 24
Pays: Japon
Année: 2008
Editeur: Black Bones
Date de sortie DVD: 20 avril 2008

Special A, c’est le nom d’une classe de lycée réservée à l’élite, les sept meilleurs élèves de l’établissement. Hikari est une jeune fille de quinze ans qui ne manque pas une occasion de relever des défis. Depuis toute petite elle n’a qu’une chose en tête, devenir la meilleure dans tous les domaines. Mais un jour elle tombe sur Kei, un jeune garçon de son âge qui ne la ménage pas. En combat singulier de catch face à lui Hikari connaît sa première défaite. Au lycée ils se retrouvent justement dans cette fameuse classe pour les meilleurs, Kei s’emparant de la première place du classement, Hikari restant l’éternelle seconde… De duels en duels, de challenges en challenges, Hikari ne pense qu’à battre Kei à plat de couture pendant que celui-ci tombe peu à peu amoureux de la jeune fille.

Série romantique au ton résolument humoristique, l’histoire combine les clichés de la romance adolescente avec des situations farfelues et des personnages haut en couleurs. Loin d’être délaissés, les personnages secondaires pimentent le récit par leurs extravagances, tel Akira, l’amie de Hikari qui n’arrête pas de préparer toutes sortes de thé et qui ne ménage pas ses compliments envers sa meilleure amie, ou encore Jun et Megumi, les faux jumeaux épris de musique avec qui Hikari commet l’erreur de leur demander de jouer un récital. Une série à consommer sans modération tellement le ton et les péripéties sont hilarants, le caractère des personnages s’affinant tout au long des épisodes. Totalisant vingt-quatre épisodes au total, la série est adaptée du manga éponyme de Maki Minami. Ce premier volume nous présente les huit premiers épisodes répartis sur deux galettes.

Tokyo babylon (Koichi Chigira, 1992): chronique DVD

TOKYO BABYLON
Un film de Koichi Chigira
Genre: animation
Pays: Japon
Année: 1992
Editeur DVD: Black Bones
Date de sortie DVD: 29 janvier 2009

Subaru est un jeune homme aux pouvoirs psychiques très intenses, il peut détecter la présence d’esprits. Il vit auprès de sa sœur jumelle, Hokuto et de l’ami de cette dernière, un vétérinaire du nom de Seiichiro. Subaru emploi ses dons d’exorcistes auprès des particuliers comme de la police pour résoudre des affaires criminelles. Le premier volet le place au cœur d’une affaire de construction d’un vaste projet immobilier dont les responsables meurent les uns après les autres dans des circonstances fort suspectes. Un jeune loup de la société de construction, Nagumo, semble impliqué mais réchappe à chaque fois aux accidents qui ont conduit ses supérieurs à la mort. Subaru suspecte une force maléfique à l’œuvre qui le protège et le pousse à commettre l’irréparable pour acquérir le pouvoir. Dans la seconde histoire, la police fait appel aux pouvoirs d’une experte en para-psychologie qui peut voir le passé en touchant les objets afin de résoudre une affaire de meurtre dans le métro. Depuis quelques temps en effet un homme étrangle les femmes impunément la nuit mais son identité reste difficile à découvrir.

D’après le manga original de Clamp, voici les deux OAV réalisés par Kôichi Chigira, réalisateur reconnu dans le domaine de l’animation avec des titres tels que Gate keepers, Last exile, Full metal panic ou encore dernièrement Brave story. Black Bones poursuit le travail de redécouverte des OAV lancé avec Bubllegum crisis et Iczer-one. Tokyo Babylon, qui date de 1992, nous plonge dans l’univers occulte du célèbre studio féminin Clamp, un univers ésotérique et mystique où les forces démoniaques sont à l’œuvre dans l’ombre de la capitale nippone de notre époque. Produit par le studio Madhouse, on retrouve la qualité du character design et de l’animation dont le studio fait régulièrement preuve même si en terme de fluidité et d’audace de réalisation l’animé trahit l’époque de sa conception. En terme de scénario, les deux OAV développent un sens du suspens très accrocheur, les personnages se dévoilant peu à peu, notamment le personnage de Seiichiro qui cache sa véritable identité. L’atmosphère oppressante et glauque de la ville moderne est très fouillée. Un seul regret, l’histoire entamée par les OAV laissent certaines questions en suspend et semble t-il, d’autres épisodes devaient compléter les deux premiers volets. Projet malheureusement laissé inabouti depuis.

RG Veda (Hiroyuki Hebata, Takamasa Ikegami): chronique DVD

RG VEDA
Un film de Hiroyuki Hebata et Takamasa Ikegami
Genre: animation
Pays: Japon
Durée: 1h
Editeur DVD: Black Bones
Date de sortie DVD: 18 février 2009

Du temps où les Dieux règnent sur la terre et les cieux, le dieu Taishakuten renverse l’empereur Tentei et installe sa suprématie. Mais une prophétie annonce le rassemblement de six étoiles, six dieux guerriers qui mettront un terme à sa dictature et son ignominie. Yasha-ô du Nord, Ryu-ô de l’ouest et Karura-ô du Sud, protègent l’enfant d’Ashura-ô, dont le père fut terrasé par les mains même de Taishakuten. Les trois guerriers et l’enfant sont à la recherche des deux autres étoiles pour accomplir la prophétie et mettre à bas le tyran. Acculés dans les royaumes du Nord par l’armée scélérate, ils vont devoir faire face au Démon du château des glaces, une petite fille née du clan divin et attendant depuis plus de trois cents ans la venue des siens. Blessée par la solitude, elle désire faire de Yasha son compagnon pour les millénaires à venir…

Première adaptation animée d’une œuvre du studio Clamp, RG Veda est l’un de ses titres majeurs de l’animation japonaise, participant, au début des années quatre-vingt dix, à la notoriété d’un nouveau format appelé OAV, des titres sortant directement sur support vidéo pour satisfaire la gourmandise des fanatiques d’animation. Dans la lignée des univers d’heroic-fantasy tels que celui développé dans Chroniques de la guerre de Lodoss sorti l’année précédente, RG Veda nous conte le destin de preux chevaliers et enchantresses dans un monde plongé dans le chaos et la souffrance. Sorts magiques, pouvoirs mystiques, créatures fantastiques, combats épiques, les ingrédients sont là mâtinés de la touche Clamp, c’est à dire d’une galerie de personnages androgynes et racés et des tons pastels issus de l’influence du style art nouveau. Pourtant ici, la déception est grande. Si le design character est à la hauteur, l’animation témoigne clairement d’un manque de moyens et le scénario n’arrive pas à développer un monde bien trop riche pour seulement deux OAV de quarante-cinq minutes chacun. Pire, la fin du second chapitre lance enfin l’histoire mais l’on doit en rester là. C’est un arrière-goût amer que nous laisse ce titre pourtant fameux, et la lecture des dix tomes du manga est nécessaire pour bien comprendre les tenants et les aboutissants de cette histoire d’un autre âge.